De mutuo acuerdo o el concierto del hombre con un abrigo pegado a la piel es una comedia que combina música y texto para divertir a todos los públicos. Es la historia de un hombre pusilánime y dos mujeres ambiciosas. Una reflexión sobre los extremos que se pueden alcanzar en las intrincadas negociaciones de una separación. En ella se plantea el fracaso humano y la capacidad de supervivencia hasta límites insospechados, la intensidad de la amistad en situaciones extremas, el poder femenino y sus armas de seducción. El protagonista -un hombre que va a la cárcel en un intento de recuperar, al menos, el cariño de sus hijos- convertido en cantautor, compone una serie de temas en los que con humor e ironía narra sus desdichas y desventuras. Mirando al pasado y al presente la obra combina las escenas claves de su vida: entre dos esposas, la cárcel y su compañero de celda, su único amigo, y el concierto que sirve de marco.

Menudencias está compuesta por una selección de seis momentos humorísticos, de situaciones hiperbólicas con algo de verdad tras ellas. Seis comedias menudas para proyectar una sonrisa hacia nosotros mismos y nuestros comportamientos. 

Lapidarius es un entretenimiento inspirado en las figuras de Quijote y Sancho representados en dos hombres de hoy, encerrados en sus historias y sus ilusiones, que esperan a una Dulcinea de nuestro y juegan con las palabras para crear su propia realidad entre las paredes de un lugar aislado del mundo.
 

DIANA M. DE PACO SERRANO

Profesora Titular de Filología Griega en la Universidad de Murcia, es Doctora en Filología Clásica (Universidad de Murcia) y Licenciada en Filología Italiana (Universidad de Salamanca). Como dramaturga ha publicado más de una decena de obras teatrales y otras tantas han sido puestas en escena. Entre ellasPolifonía (Finalista del Premio Calderón de la Barca 2000), Obsession Street (Premio Palencia 2007), Orestíada.Cenizas de Troya, Espérame en el cielo… o, mejor, no, esta última producida con la compañía Espacioimaginado de la que forma parte en la actualidad.

Loco, loco cabaret es un libro alocado y muy divertido en el que personajes delirados, freaks sorprendentes y divas de cabaret dan rienda suelta a sus vicios, mentiras y obsesiones. En este volumen encontramos el cabaret completo de Chema Rodríguez-Calderón compuesto por dos obras de humor irreverente: Noches locas de cabaret, mentiras y pecados e Indignada Pérez Cabaret Show. Completa el libro una colección de textos y monólogos cómicos, muchos de ellos inéditos: Textos locos para lectores ilógicos. 

Ediciones Irreverentes publica ahora estos textos brillantes y ácidos para que el lector que llegó tarde a aquellas representaciones pueda disfrutarlos, pero también para que queden para la historia; que alguien llegue a una biblioteca dentro de dos siglos, se encuentre con esta obra, se ría y descubra que en nuestra época también hubo genios. Félix Sabroso apoya esta idea en el prólogo: "Me satisface mucho que sus textos se hayan recopilado en un libro, no sólo por su evidente calidad y retrato sólido de lo humano, sino, porque además estas palabras de espectáculos de esta índole se suelen quedar solo en la memoria que la tradición oral nos proporciona". Chema Rodríguez-Calderón nos hace reír con iconos del cine y de la historia, con la publicidad, con las terribles conversaciones de bar de última hora, la telebasura, la sátira política, la familia real y nosotros mismos, todo ello convirtiéndose en clown, por medio de la parodia, la sátira, incluso del humor blanco. Se le suele relacionar con el humor de Woody Allen y Almodóvar, pero hay más: Rodríguez-Calderón es uno de los autores más innovadores, irreverentes y brillantes de la creación en español.

Ha publicado en Ediciones Irreverentes Trilogía Idiota, un gran éxito de público y crítica. Es el editor literario de Antología de Comedia y Humor, libro que reúne a 27 de los mejores autores teatrales contemporáneos. Formado como actor en la escuela de Cristina Rota, acumula más de 20 años de experiencia profesional. Ha trabajado en 50 producciones de teatro, de las cuales ha escrito 15 y dirigido 20. Galardonado con el Premio a la Mejor Dramaturgia Original, concedido por la Fundación Centro de Nuevos Creadores y Fundación Autor (Hombres ineptos que caminan hacia nadie), obtuvo el accésit del Premio "Monteluna" de Textos Teatrales por Nubes frente a un espejo. Su último estreno ha sido La gran travesía del Samurái Hasekura (Teatro Real de Madrid). Sus textos han sido estrenados en España, Argentina, Chile, Honduras, Nicaragua y El Salvador.

Durante el rodaje de una película, la famosa actriz Doris del Lago, cocainómana, bisexual y carente de principios, se enamora perdidamente de su nueva camarera cubana. Están juntas en la suite del hotel, vistiéndose para celebrar una cena íntima. Doris, obcecada en gozar de la joven Estrella, hará de todo por poseerla, incluso drogarla, y logrará verla desnuda, disfrutar de su cuerpo, pero no siempre las cosas salen como se planean y a veces, a una diva se le puede escapar la mano en un brote de ira y violencia.

Y ahí entran en escena personajes con tan pocos escrúpulos como ella: el productor, el director, que harán cualquier cosa para que el rodaje salga adelante y no se pierda ni la inversión ni sus sueños. Sólo hay una persona con algún concepto ético, la asistente personal de Doris del Lago, que está horrorizada, pero que no puede evitar participar porque ella es quien compra las drogas de la actriz, entre otras cosas que prefiere ocultar. La entrada en escena de un cocinero chino nos pondrá al día de las más sofisticadas perversiones de los muy ricos y poderosos; perversiones que no podemos llegar a imaginar y que en estas páginas quedan para la historia de la infamia humana. Es, sin duda, una comedia ácida, corrosiva, cruel y excitante.

JOSÉ PAVÓN

(Madrid, 1952) Es director del largometraje Deseos, y director de series de ficción como Colegio Mayor, Escenas de matrimonio, Paco y Veva, Venganza de amor, Ala… Dina, A las once en casa, Aquí hay negocio, Habitación 503 y Menos lobos. Ha sido realizador de programas musicales con Tina Turner, Joe Cocker, Gloria Stefan, Julio Iglesias o Celia Cruz, entre otros. Ha sido realizador y guionista de documentales sobre Siria, Sicilia, Panamá y El Salvador. Realizador de documentales sobre Mujeres en la Historia y realizador de 26 capítulos de Cruz y Raya. Ha dirigido programas de fin de año en TVE y ha realizado varias óperas como Medea, Tosca, Rigoletto y Madame Butterfly. 

Colección Teatro, 58

ISBN: 978-84-16107-53-7

92 páginas

Hurón, un feriante, y Migra, un policía de fronteras, se encuentran en La ciénaga, un charco inmenso repleto de funestos presagios. Hurón se ha acercado a rezar por un hermano que perdió en aquellos parajes. Migra ha acudido para controlar de cerca los vaivenes de los turbios asuntos que se trae entre manos y que tienen que ver con el tráfico de personas, con la explotación de los emigrantes y con el rechazo de los refugiados. Los acontecimientos nos hacen descubrir la relación entre la desaparición del hermano de Hurón y los negocios de Migra. Nadie se salva en la frontera.

Afirma en el prólogo Raúl Cortés: "Retrato de nuestro tiempo, La ciénaga es estupor y es lamento, dolor ante la incomprensible herida sangrante del otro, del desterrado, del extranjero. Es una incómoda y necesaria pregunta. Urge hoy un teatro valiente, como La ciénaga, y autores arrojados, como Antonio Miguel Morales, capaces de abismarse en los vacíos que han dejado la fi losofía, el propio arte e incluso, la religión -profundidades a las que rehúye gran parte del teatro actual- para atravesar las brumas y llegar allí donde la creación se hace zozobra." Junto a La ciénaga, en el interior de un cortijo, María Selva, embarazada, espera la llegada de El extranjero. Mientras tanto, en las proximidades, se celebra una verbena con charanga, noria, algodones de azúcar y buñuelos de chocolate.

ANTONIO MIGUEL MORALES 

Licenciado en Filología Hispánica, actualmente cursa un Máster en Estudios Avanzados de Teatro. Se halla inmerso en un trabajo de investigación sobre la memoria histórica en el teatro español contemporáneo.

Es profesor de Lengua y Literatura españolas en Morón de la Frontera (Sevilla)

Ha publicado el poemario Olivarium, y la obra de teatro infantil Un mar de cuento, llevada a la escena en varias ocasiones. Su obra Sulpiciusquedó finalista del certamen andaluz de teatro Romero Esteo. El último tren de Carmen logró un accésit en el Certamen de Relatos para la Igualdad. Colabora como dramaturgo con Almazara y Trasto Teatro.

ENTREVISTA CON EL AUTOR

P.-¿Surge La ciénaga del horror cotidiano de la huida de millones de personas de sus países de origen?

R.- La respuesta no puede ser cien por cien afirmativa. Es cierto que mi obra La ciénaga parte del horror de la huida. Pero el drama más grande con el que se encuentran los personajes de La ciénaga es el de la imposibilidad de la llegada. La Comisión Europea, en mayo del pasado año, decidió reubicar a 160.000 migrantes. A día de hoy, solo 272 han sido acogidos. ¿Alguien lo entiende? En España se ha dado refugio a 18 personas. Sin duda alguna la magnitud del genocidio es inversamente proporcional a la respuesta ante las necesidades de acogida.

P.-¿Es tu obra un arma de denuncia o una creación artística con una buena dosis de poesía?

R.- Por supuesto que La ciénaga es una denuncia. Es más, la razón de existir de La ciénaga es denunciar que nos están engañando. Que no se puede llamar “refugiado” a nadie si no se le da refugio. Hay que poner nombre a lo que estamos permitiendo desde Europa, y se llama genocidio. La ley debe convertir a los seres humanos en ciudadanos para no ser una ley criminal. ¿En qué nos hemos convertido los humanos si el mero azar de nuestro lugar de  nacimiento determina nuestra legalidad o nuestra ilegalidad, nos hace soberanos o nos hacina en campos de exterminio?  La ciénaga es una metáfora del Mar Mediterráneo, donde la muerte, a fuerza de ser cotidiana, se ha convertido en invisible. En la era de la globalización, los cadáveres han perdido visibilidad. La globalización era una trampa para universalizar las fronteras, para estigmatizar a los que logran cruzarlas, negándoles la ciudadanía. Al mismo tiempo, queremos denunciar la invisibilidad de la tortura, la explotación y la muerte en todos los terrenos fronterizos. Porque, como dice uno de nuestros personajes, “en la frontera lo que existe no se ve, y lo que se ve no existe”. Para contar todo esto hemos intentado no olvidarnos nunca de que estamos escribiendo una obra de teatro. Y la poesía, como tú bien dices, nos ha ayudado mucho a posicionarnos desde la estética del drama. El verso, en la dramaturgia contemporánea, a veces provoca ese distanciamiento del que hablaba Brecht. Y ese distanciamiento tiene como intención primera que el espectador tome partido ante lo que está presenciando, pero sin ser adoctrinado. Como dramaturgo, me interesa que el espectador tome partido.

P.- ¿Esta obra significa la resurrección de tu compañía teatral en cierta medida? ¿A qué se debe esta resurrección?

R.- No exactamente. Hablar de resurrección implica hablar de muerte. Y Almazara no había muerto. Si es cierto que el fallecimiento del director del grupo, Isidoro Albarreal, provocó un parón en una compañía que llevaba 34 años de trabajo ininterrumpidos, casi a montaje por temporada. Isidoro era una persona muy especial, que contaminaba con su entusiasmo a todo el que se rozara con él. Y la conmoción tras su pérdida fue enorme. Por eso mismo, Pepe Mármol, actor de Almazara desde los principios de la aventura, comprendió que la mejor forma de mantener viva la antorcha que Isidoro había encendido era seguir trabajando. Nos lo propuso a una serie de personas que habíamos formado parte del grupo en diferentes etapas. Se incorporaron algunas personas nuevas.  Y aquí estamos. La ciénaga es el primer proyecto de una nueva etapa. Pero no es una resurrección porque no puede haber resurrección donde no ha habido muerte.

P.-La puerta en escena de La ciénaga parece más alegórica que realista. ¿Qué has pretendido?

R.- Es cierto que en La ciénaga los símbolos son importantes. Convertir la realidad en símbolo nos permite acercarnos a ella con la distancia suficiente. La actualidad pasa desapercibida ante nosotros porque se pasea delante de nuestras narices cuando nos disponemos a dar buena cuenta de un plato de lentejas o a echar una siesta desde la rivera confortable de nuestro sofá. La actualidad es invisible porque es contemporánea. En cambio el símbolo es atemporal. Nos puede sobrecoger. Y existe en sí mismo, siendo una de sus características fundamentales su irreductibilidad.  No hay pantalla que lo mediatice. Dice Bauman que cuando encendemos el móvil apagamos el mundo.  El símbolo nos permite encender el mundo y apagar el móvil, por eso he intentado acudir a él para dar visibilidad al drama de las personas que buscan refugio. Aunque bien es cierto que será el director de la obra, Alonso Amaya, el que decida la carga simbólica de la puesta en escena.

P.- En momentos de guerras generalizadas, como el actual, ¿puede servir el arte para algo?

R.- Considero que el arte  sirve para generar empatía. Y la capacidad de generar empatía es quizás la que más nos acerca al concepto de alteridad. Ponernos en lugar de otros nos puede hacer sentir las heridas del otro, pero siendo nosotros mismos. La empatía no genera trascendencia, desgraciadamente. A través del teatro somos capaces de comprender el dolor de los otros,  que no es poco, pero no  somos capaces de ser otros. La acción dramática nos puede acercar  el dolor y generar a través de él  acción ciudadana. Y la acción ciudadana es la que debe posicionarse contra las guerras. El artista es un ciudadano más que debe gritar en contra de las guerras. Pero un artista puede comprometerse en la misma medida que lo puede hacer un albañil, una jornalera, un médico o una maestra. Sin público no hay teatro. Pero contra las guerras sobra el público y faltan los actores. 

Los protagonistas de tan irreverente comedia son Francisco de Asís de Borbón y Borbón, conocido como Paquito Natillas, rey consorte considerado en su tiempo muy taimado y muy mariquita; la reina Isabel II de Borbón, pletórica de furor uterino hasta su óbito, populachera, frescachona, chulapona y ninfómana, dictatorial por encima de todo; Luisa Carlota, alcahueta, sibilina, dominante; María Cristina, sensual, cáustica y conejera; Sor Patrocinio, retorcida consejera áulica que trabaja en la sombra para que todo pase en España acorde con los que ella considera que son los mandatos del Dios católico; Antonio María Claret, obispo confesor de Isabel II, más cristiano que político; el Duque de Baños, arribista y gentilhombre, conservador a ultranza; el general Narváez, El Espadón de Loja, adicto incondicional a la monarquía borbónica, y Serrano, el General Bonito, viril, con patillas, bigote y ademanes militares que hace burla continuada del rey consorte. Vivimos con ellos los preparativos de una boda política y sin amor, el odio del rey consorte por los toros y las bárbaras costumbres del inculto pueblo español, los cuernos del rey consorte, que busca cariño en hombres, fuera del matrimonio, hasta llegar a su vida otoñal y el reconocimiento de Isabel II que nunca pudo ni podrá hacer nada ante su picor de bajos. Entre escenas de castizos amores y cuernos muy españoles y enredos políticos y religiosos de cuantas personas manipularon a la corona española acabará esta obra, como resulta conveniente, en el pudridero real de El Escorial. 
La ilustración de portada de esta obra corresponde a una de las realizadas por los hermanos Bécquer para el libro Los Borbones en pelotas y en ella se puede ver a Isabel II de Borbón realizando una felación a Carlos Marfori y siendo penetrada por su confesor, (todo hace pensar que es el arzobispo Antonio María Claret) en presencia (activa) del Primer Ministro Luis González Bravo.

FEDERICO MARTÍNEZ SOLBES 

(Benimantell, Alicante, 1944) Dramaturgo y profesor de filosofía. Estudios de idiomas vivos y de Filosofía y Letras en la Universidad de Barcelona. Director de varios grupos teatrales. Colaborador en revistas sobre temas dramáticos como Yorick, Tele-Estel y Orifl ama, entre otras. Crítico gastronómico en El Periódico de Catalunya.

Colección Teatro, 59
96 páginas • ISBN: 978-84-16107-56-8

El envidioso es una comedia ambientada en el siglo XVI en la Villa y Corte de Madrid, bajo el reinado del emperador Felipe II. Diego Dinvidia es un hombre mediocre que entrega su vida a la labor de malquistar y desbaratar la vida de todo aquél que destaque en algo. Sin él saberlo, un día llega a su hacienda una carta en donde se le nombra Grande de España, en reconocimiento a su labor de espía de la Inquisición y delator de los inicuos. Temiendo las consecuencias que supondría para todos el que un hombre así entrase en la Corte, Basilio, criado y tutor de su hija, junto a Dimesydiretes, (criado multifacético que le informa de los envidiables y del cumplimiento de sus planes contra ellos), trazan un plan para que no llegue la carta al pérfi do Diego, animados por la idea de que un hombre así jamás permitiría el amor entre Basilio (criollo de la nobleza mejicana que cayó en desgracia y que Diego acogió en su hacienda por el sádico placer de que un Noble sea su criado) y Aurora, su bella y talentosa hija. Ella colaborará en el montaje de una farsa que pondrá en evidencia los límites de la naturaleza de Diego: la simulación de una entrega en matrimonio de Aurora al Conde de Benavente hará que la boda se consume y que, quizás, el envidioso aprenda una lección.

CARLOS ÁLVAREZ MÉNDEZ

(Valencia, 1966). Realizó estudios de Música, Canto y de escritura creativa en el Taller Julio Cortázar. Ha sido profesor de voz, canto, verso e interpretación en la escuela de arte dramático del Palacio de Festivales de Cantabria. Ha trabajado como actor en obras de teatro y comedias musicales, y como cantante lírico en recitales y zarzuelas. Como escritor ha tocado prácticamente todos los géneros. Ha publicado cientos de artículos y audios en la revista digital Tenerife week, la obra de teatro La carretera (de la que dijo Ernesto Caballero: "Nos hallamos ante una obra insólita en nuestro panorama teatral"),12 fábulas contra el Nuevo Orden Mundial, Historias jocoserias y ha participado en la Antología de comedia y del humor.

Colección Teatro, 62

 110 páginas • ISBN: 978-84-16107-57-5

El lector encuentra en este volumen dos de las comedias más divertidas y con más éxito representadas en España en los últimos años. Se abre el libro con La vida secreta de mamá, obra ganadora del X Premio El Espectáculo Teatral. Los protagonistas son un matrimonio cuyos hijos ya abandonaron el hogar familiar, incluso viven en ciudades lejanas. Este matrimonio recibe la peor de las noticias posibles: su yerno tiene todas las posibilidades de dirigir la empresa en la que el suegro lleva trabajando toda la vida, lo que conlleva que entre semana vivirá en la casa familiar. Pero eso es imposible, porque descubriría la verdadera vida de los padres, los secretos que los hijos deben desconocer, porque nada es lo que parece, ni la madre es un ejemplo de virtud, ni el padre es el hombre admirable de la infancia de sus hijos. Es una comedia ácida sobre las verdades ofi ciales y la realidad. Completa el volumen, la comedia Última luna de abril, en la que compartimos la noche de bodas con una mujer que ha cometido el error de casarse con un echador de cartas, un estrambótico adivino de la televisión, de esos que conocen el futuro pero son, curiosamente, pobres de solemnidad. Y para colmo, parece que la familia ha hecho unos regalos tan míseros, que no podrán pagar ni el banquete de bodas. No es el mejor principio sobre la cama nupcial.

CONCHA RODRÍGUEZ (ALMENDRALEJO, BADAJOZ)

Es licenciada en Filosofía y Letras. Autora teatral y actriz. Funda la compañía La Estampa Teatro en 1994, que en la actualidad cuenta con más de quince montajes. Ha publicado en Ediciones Irreverentes Efecto Dulcinea, La vida secreta de mamá y Última luna de abril, y ha aparecido en la Antología de Comedia y Humor, que reúne a los mejores autores de la actualidad. Es autora de textos como Para Bellun, Soltera SLU, Primitiva Vanidad, Mi sobrino el concejal, Nido de Víboras, Flamenquería, Siete hembras sin piedad y ¡Estáis quemadas!, entre otros.

 En esta obra descubrimos de forma poética, íntima y desgarradora, las últimas horas de vida de tres poetisas de trágico destino: Delmira Agustini, la gran voz de la poesía uruguaya, quien murió asesinada por su marido a los 26 años; Alfonsina Storni, una de las grandes escritoras argentinas del S. XX quien se suicidó a los 46 años sumergiéndose en el mar y Alejandra Pizarnik, argentina, una de las mejores poetisas del siglo XX, que se suicidó con una sobredosis de barbitúricos a los 36 años, cuando acababa de abandonar un hospital psiquiátrico. Su íntima amiga —y tal vez amante— Olga Orozco pasa con ella las horas previas al suicidio. Las acompañamos en los últimos instantes de sus vidas, entres sus poemas, sus terrores, sus soledades y su desesperación.

La poesía se funde con el erotismo, a veces sensual, a veces violento, de las tres poetisas, en un espectáculo teatral de carne y sangre, verso y música, que quiere transmitir la belleza y la angustia de las tres autoras célebres, pero también de las tres mujeres, de los seres humanos escondidos tras las obras. Las historias avanzan con ritmo de suspense hasta un desenlace de emoción y fuerza.

FERNANDO ALONSO BARAHONA

 Abogado y escritor. Colaborador en numerosas revistas de cine y pensamiento. Jurado de los Premios Nacionales de Literatura (2003) y Teatro (2004). Ha participado en diversas obras colectivas y ha publicado 38 libros. Entre ellos las novelas La restauración, Círculo de mujeres y Retrato de ella; poesía El rapto de la diosa; los libros de ensayo Perón o el espíritu del pueblo, Políticamente incorrecto, Antropología del cine, Biografía del cine español e Historia del terror a través del cine y biografías de cine sobre Cecil B de Mille, Charlton Heston, John Wayne, Gary Cooper, Rafael Gil, Anthony Mann y otros. Tres poemas de mujer supone su primera incursión en el teatro.

Editorial: Ediciones Irreverentes

Colección:  Teatro 64

ISBN: 978-84-16107-61-2

Medidas: 21,6 x 15 cm.

Páginas: 114 páginas

Materia: OBRAS DE TEATRO, TEXTOS TEATRALES

Una comedia cuya acción transcurre en los años finales de siglo XIX, en un contexto de escasísimas libertades para la mayoría de las mujeres. La trama desarrolla el esfuerzo de un grupo de funcionarios ministeriales por llevar a cabo un encargo sorprendente para esos años decimonónicos, pues deben elaborar un informe donde se estampen las directrices sobre las cuales la mujer llegue a equiparase en derechos a los varones. Como es lógico suponer, las situaciones que devienen de ese estudio sobre la igualdad femenina van desde la incomprensión al asombro, pasando por la burla y la total incompetencia para alcanzar semejante objetivo. ¿Derechos al trabajo, a votar, a elegir marido, a llevar pantalones? ¿Están locos estos funcionarios? La obra busca, desde el humor, potenciar la idea de la igualdad entre los sexos, apoyándose para ello, con ironía, en todo lo contrario, debido a la incapacidad de los protagonistas para lograrlo, ya sea por desconocimiento, a pesar de la buena voluntad, o por los impedimentos de un poder que no toma en serio sus propios mandatos. SAXFEM, leída desde la mentalidad actual, quizá no resulte tan anacrónica como pudiera suponerse. La propuesta escénica del autor es sorprendente: los personajes masculinos deben ser interpretados por actrices. Y su intención al escribir la obra “¡Que la risa nos lleve a la comprensión seria!”

JOSÉ MANUEL FERNÁNDEZ ARGÜELLES (Asturias, 1957) Es autor de las novelas Retrato de escritor con perro, La gasolinera de colores (I Premio Alcorcón Siglo XXI), Entre animales, Humo de héroe, Los Resucitados y La ira del hombre tibio y del libro Relatos en corto para lectores inteligentes con prisa. Brillante autor de microrrelatos, ha participado en Microantología del microrrelato y Microantología del microrrelato II. Entre las antologías en las que aparece cabe mencionar Poeficcionario, El hombre que se ríe de todo, Antología del relato negro I y Asesinatos profilácticos. 

Colección de Teatro, Nº 65

Ediciones Irreverentes.

82 páginas.

En el verano del 97, dos fotoperiodistas franceses free lance, Christine y Alastair se adentran en el conflicto civil argelino para descubrir que la verdad dista mucho de la ofrecida por las fuentes oficiales. Enfrentados a una fuerte censura y a mil trabas para realizar su trabajo, ambos recaban testimonios del conocido como triángulo de la muerte, el lugar más caliente del conflicto, con la protección de Faris, soldado del ejército argelino. Entre dichos testimonios, el ofrecido por Fatma, hermana de Faris, victima de los comandos islamistas y forzada en el pasado a combatir con ellos. El boulevard de los perros es un texto donde intentan colisionar horror y belleza, el día a día de los civiles que luchan por encontrar un sentido en medio de la paranoia creciente, que nos trae el polvo y el calor de una época de psicosis, de unos años 90 convulsos al borde del Mediterráneo, en un país dividido, azotado por el terrorismo y en permanente estado de emergencia.

En este volumen, también se incluye Bossa, que relata el devenir de una escritora, Bossa Gilbert, a través de sus ojos y los de su familia norirlandesa, cuya inesperada y cruenta enfermedad hace a todos replantearse su modo de ver la vida.

ANTONIO NIETO AGUILAR  (Sevilla, 1983). Licenciado en Filosofía por la Universidad de Sevilla. Se inicia en el teatro universitario de la mano de la compañía Trema Teatro en 2003, para después integrarse en Pandora Teatro en 2004, fundada por la actriz y directora Carmen Rivas, en la que estrena su primer texto dramático, Propaganda (2009, XVII Muestra de Teatro Universitario). Refundada como Épica Parda, estrena en 2011 Viaje a las islas. Igualmente ha colaborado para la revista de poesía El hombre a caballo, y ha hecho reseñas y entrevistas para el magazine musical digital Revelation.

Publicado por Ediciones Irreverentes

Colección de Teatro, Nº 66

ISBN:978-84-16107-64-3

84 páginas